Persona

“Primero le sugerí a Kenne Fant [director de la Svensk Filmindustri] el título ¿Cinematografía? pero eso lo puso triste. ‘Es un nombre horrible’, pensó Kenne. Así que se me ocurrió este título, ‘Persona’. ‘Cualquier nombre es mejor que cinematografía’, dijo Kenne, y aprobó mi propuesta”. Bergman luego se puso a explicar que Persona es el nombre latino para las máscaras utilizadas por los actores en la antigüedad. “Es un título muy atractivo, un buen nombre, un nombre adecuado. La película será acerca de las máscaras y las actitudes de las personas.”

Con estas palabras del director nos introducimos en el estudio de la trigésima tercera película de Bergman, una de las cumbres del arte cinemátográfico. Este largometraje lleva por título la palabra latina persona —máscara de actor, personaje teatral—, cuyo origen está en el término griego πρόσωπον —rostro, máscara, apariencia, persona.

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Comparto con ustedes un ensayo de la escritora estadounidense Susan Sontag que pueden leer, en inglés, aquí. A propósito del asunto, Sontag se expresa:

Ser una persona es, entonces, poseer una máscara, y en Persona ambas mujeres usan máscaras. La máscara de Elizabeth es su mutismo. La máscara de Alma es su salud, su optimismo, su vida normal (está comprometida; le gusta su trabajo y es buena en él). Pero en el curso de la película, ambas máscaras se quiebran.

Tal vez alguien recuerde que en clase, al adentrarnos en la profundidad de la película, nos detuvimos un momento en la Alegoría de la caverna del séptimo libro de la República de Platón y mencionamos el fresco de Rafael La escuela de Atenas que se encuentra en la bella Stanza della Segnatura del Palacio del Vaticano. Les recuerdo que una entrada anterior de este blog ya nos acercaba a la obra de este gran realizador: Bergman.

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Mientras se encontraba trabajando en el guión de la película, Bergman escribió un ensayo que titula La piel de la serpiente y cuya lectura estimo fundamental. Pueden leerlo en inglés aquí y en español en el capítulo del libro Imágenes dedicado a la película, que reproduzco a continuación. Click en la imagen para acceder al pdf.

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Dos son las instancias en las que observamos que el mundo exterior penetra en el universo de la película. A través de la autoinmolación de Thích Quảng Đức que observa Elizabeth en el televisor del hospital y en la fotografía del niño de Varsovia que coloca junto a su velador. Representaciones que son testigos de dos acontecimientos imborrables de la historia del siglo XX. En sus cuadernos de trabajo, Bergman apunta:

Mi arte no puede digerir, transformar u olvidar a aquel niño de la fotografía. Tampoco al hombre que arde por su fe. Soy incapaz de entender las grandes catástrofes. Dejan mi mente impasible. Posiblemente pueda leer la narración de esos horrores con una especie de voluptuosidad —una pornografía del horror. Pero jamás logro librarme de esas imágenes. Imágenes que convierten mi arte en payasadas, en algo sin importancia, en cualquier cosa.

Vietnam Monk

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Uno de los textos que leímos en clase fue el Análisis del prólogo de Persona del libro La audiovisión de Michel Chion. Pueden acceder a La audiovisión en pdf haciendo click en la imagen abajo.

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Para acceder a más información sobre la película les recomiendo entrar a la página de Criterion Collection y al sitio Bergmanorama. Pueden encontrar en ingmarbergman.se una riquísima descripción del proceso de producción de la película, con citas y mucha información. A continuación comparto la conversación dedicada a Persona en el libro Conversaciones con Ingmar Bergman. Click en la imagen para acceder al pdf.

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Blue Velvet

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Algunos directores que me han inspirado son Billy Wilder, Federico Fellini, lngmar Bergman, John Ford, Orson Welles, Werner Herzog, Stanley Kubrick, Alfred Hitchcock, Francis Ford Coppola y Ernst Lubitsch. En la escuela de arte estudié pintores como Edward Hopper, que usó motivos urbanos; Franz Kafka  es mi novelista favorito. Mi acercamiento al cine nace de mi trasfondo artístico y por eso voy más allá de la trama, al estado subconsciente, creado a partir del sonido y las imágenes.

Así resume David Lynch sus maestros, aunque también ha admitido la importante influencia en su obra del expresionismo, del surrealismo y sobre todo del pintor Francis Bacon, a quien considera un artista perfecto. Aprovecho sus palabras para compartir la fundamental obra de Kafka, La metamorfosis, a la que pueden acceder aquí.

En el siguiente video, Lynch habla un poco más acerca de sus gustos y películas preferidas.

A continuación, y para comprender un poco mejor estas influencias que acusa la obra de Lynch, siguen algunos ejemplos comparativos entre fotogramas de Terciopelo Azul y pinturas que han sido fundamentales para su creación. Es interesante captar estas influencias y su utilización por parte del director para crear los distintos ambientes de la película: los ambientes violentos y extraños que rodean a Frank y Dorothy, los escenarios cincuentosos y los espacios nocturnos en que deambulan Jeffrey y la inocente figura de Sandy. Estos ambientes en contradicción constituyen la base del mensaje de Lynch, que se puede resumir como una “constante por hurgar en la superficie de lo apacible y los bucólico para encontrar, por debajo, lo macabro y lo abyecto del alma humana” (cita del texto El cine de David Lynch, para el curso dictado en la Escuela de Cine Dodecá).

norman-rockwell-before-the-date-september-24-1949Before the date de Norman Rockwell.

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hopper.summer-eveningSummer Evening de Edward Hopper.

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Second Version of Triptych 1944 de Francis Bacon.

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Triptych – August 1972 de Francis Bacon.

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Una definición académica de Lynchiano podría ser que el término “refiere a una clase particular de ironía en la que lo muy macabro y lo muy mundano se combinan de tal manera que revelan la perpetua inclusión de lo primero dentro de lo último.” Pero como posmoderno o pornográfico, Lynchiano es una de esas palabras del tipo Potter Stewart que en última instancia sólo es definible en forma ostensible —i.e., lo sabemos cuando lo vemos.
David Lynch keeps his head, David Foster Wallace

Blade Runner

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En el diseño de su ciudad colapsada, Blade Runner acusa una gran influencia de Metrópolis. Aquí está en imágenes tan sólo una comparación del helipuerto de Blade Runner que aparece en la película en un plano idéntico al de la torre de Babel en Metrópolis.

Pueden leer aquí un artículo en inglés que reseña brevemente cinco películas en las que la arquitectura tiene un rol protagónico: Metrópolis, Blade Runner, Dr. Strangelove, Nostalgia y Laughing Gravy. Una cita de Le Corbusier, teórico de la arquitectura, arquitecto, diseñador y pintor, que aparece en el artículo, evoca diversas reflexiones respecto de la relación entre arquitectura y cine:

La arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes reunidos bajo la luz.

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Pueden ver aquí el libro de bocetos para la película y un repaso de algunas de las locaciones reales de la película en este link, que nos permite apreciar el trabajo de unificación del aspecto visual de este mundo ecléctico a partir del arte, la fotografía, la puesta en escena y el montaje. En palabras de Ridley Scott:

En las películas que me apetece hacer, el universo, el decorado, la ambientación, tienen una importancia capital. Hay momentos en los que el decorado tiene más importancia que los actores.

Blade Runner está basada en la novela de ciencia ficción de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?.

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En clase nos referimos, a partir de las primeras imágenes de la película —las llamaradas en la ciudad abarrotada, vertical, artificial— a la pintura del gran Hieronymus Bosch, más conocido como El Bosco. Reproduzco abajo el tríptico El jardín de las delicias en el que, antes del año 1500, ya están representados los excesos humanos y la destrucción del mundo. Les pido fijar su atención en la parte superior del panel derecho, el infierno, y asociarla con el comienzo de la película que nos ocupa.

Otros pintores que mencionamos en la clase fueron Johannes Vermeer y Jan Van Eyck, que habíamos abordado en esta y esta entrada del blog.

The_Garden_of_Earthly_Delights_by_Bosch_High_Resolution_2 Tríptico abierto.

Hieronymus_Bosch_-_The_Garden_of_Earthly_Delights_-_The_exterior_(shutters) Tríptico cerrado.

Hieronymus_Bosch_-_The_Garden_of_Earthly_Delights_-_Hell Detalle del panel del Infierno.

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Metrópolis

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Para introducirse en la corriente del expresionismo alemán pueden leer el Capítulo 27, Arte experimental, de la Historia del arte de Ernst Gombrich que comparto con ustedes y a la que podrán recurrir en muchas ocasiones.

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Les recomiendo también la lectura del artículo de François Truffaut Pasión por Fritz Lang y sobre todo la de una entrevista al director alemán que forma parte del libro La política de los autores.

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En clase comentamos acerca de una de las imágenes de la película, la de la Torre de Babel, que sería retomada por Blade Runner, y aquí publico la representación de Pieter Brueghel el Viejo, sobre la que pueden leer aquí y aquí.

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Las vacaciones de Monsieur Hulot


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En el análisis de esta película clásica de Jacques Tati citamos las palabras del director respecto del trabajo de la relación entre el sonido y la imagen:

Me sirvo del sonido para centrar la atención en los efectos visuales y apoyar la construcción de la imagen; me sirvo de la mímica y de los gestos para reemplazar los diálogos y aumentar así el valor de la pura imagen fílmica.

El sonido aporta nuevas dimensiones a la imagen. Como si a una pintura le agregáramos sonido, un pequeño movimiento en la imagen puede tener un gran sonido.

También comentamos sus consideraciones respecto del cine cómico:

Podría hacer que Hulot hiciera todas las bromas, porque vengo del music hall y puedo hacerlo bastante bien, pero no es mi manera. Prefiero mostrar a un hombre importante haciendo algo divertido, porque generará una reacción más fuerte en las personas. Quiero decir, la comedia puede bajar de su pedestal a muchas personas.

Creo sinceramente que el cine cómico no está pasado de moda. Si fuera así yo ya no trabajaría en él. El público todavía tiene capacidad de reír y quiere hacerlo. Por tanto, mientras el mundo mecanizado no nos devore la hilaridad, tales películas seguirán produciéndose. Pienso que la nueva evolución del cine cómico será el realismo: el camino hacia la verdad. Realismo-verdad que casi nunca he encontrado en el cine cómico de antaño.

Pueden encontrar las citas en este artículo en español y en esta entrevista en inglés. El análisis de André Bazin se encuentra en su artículo V. M. Hulot y el tiempo, tomado del libro ¿Qué es el cine? de Ediciones Rialp.

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Tiempos modernos

La obra de Charles Chaplin se exhibe en el Centro Cultural Dodecá durante los meses de agosto y setiembre. Pueden leer el texto que acompaña el ciclo aquí. El ciclo anterior de cine burlesco presentó películas de tres grandes maestros del género: Charles Chaplin, Buster Keaton y Harold Lloyd. Acceden al texto aquí.

André Bazin publica en 1954 el artículo El tiempo hace justicia a Tiempos modernos (tomado del libro Charlie Chaplin, André Bazin, Editorial Paidós). Saul Austerlitz escribe un artículo, en inglés, acerca de la evolución de la obra de Chaplin hasta Tiempos modernos que pueden leer aquí.

Las palabras del propio Chaplin se encuentran en esta entrevista realizada por Richard Meryman. En clase les hablé de una de las grandes películas de este director: Monsieur Verdoux, que se exhibe el sábado 31 de agosto en Dodecá, y sobre la cual escribe Jacques Rivette en Ver de nuevo Verdoux (extraído de Teoría y crítica del cine: avatares de una cinefilia, compilado por Antoine de Baecque, Editorial Paidós).

Por último, les dejo tres novelas que nombramos en esta y otras clases: Fahrenheit 451 (Ray Bradbury, 1953), 1984 (George Orwell, 1949), Un mundo feliz (Aldous Huxley, 1932).

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El acorazado Potemkin

El cine es una herramienta muy poderosa para dejársela exclusivamente a los contadores de historias.
Peter Greenaway

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El acorazado Potemkin conmemora el vigésimo aniversario de la revolución de 1905, al decir de su director: “al igual que una gota de agua refleja todo un paisaje.” Con esta entrada los animo a la lectura de algunos de los valiosísimos textos del maestro del cine Serguéi M. Eisenstein y les recuerdo algunos momentos del análisis realizado en clase.

A modo de contexto, mencionamos algunos grandes artistas del siglo XX, como Bertolt Brecht y Thomas Mann, y nos referimos a la Escuela de la Bauhaus. Hablamos de la gran influencia de la obra teórica y del arte de Leonardo Da Vinci sobre Eisenstein y aquí les dejo El tratado de la pintura, un texto fundamental al que nos hemos referido en varias oportunidades.

La estructura de la película, analizada por el propio director en uno de los artículos, desarrolla el proceso general de la revolución: del compromiso revolucionario de unos al compromiso revolucionario de todos. Cinco actos organizan la acción: “Hombres y gusanos” (planos 1 a ­248), “Drama en el castillo de popa” (249 a ­638), “El muerto clama justicia” (639 a 796), “La escalera de Odessa” (797 a 1029) y “El encuentro con la escuadra” (1030 a ­1346). Reproduzco abajo un esquema tomado del libro El acorazado Potemkin, estudio crítico de Barthélemy Amengual, de la Editorial Paidós.

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En cuanto al montaje, que brinda el sentido, el tiempo y la tensión al relato, habíamos citado dos frases que encontrarán en los artículos.

La  yuxtaposición  de  dos  fragmentos  de  película  se  parece  más  a  su  producto  que  a  su suma.  Se  asemeja  al  producto  y  no  a  la  suma  en  cuanto  el  resultado  difiere  cualitativamente […]  de  cada  uno  de  los  componentes  tomados  por  separado.
Serguéi M. Eisenstein

Cuando  se  ponen  frenos  a  la  acción,  la  tensión  alcanza  su  paroxismo.
Serguéi M. Eisenstein

Los textos son: “La unidad orgánica y lo patético en Potemkin“, “Del cine en relieve“, ambos tomados de Reflexiones de un cineasta de la editorial Lumen, y “El principio cinematográfico y el ideograma“, “Una aproximación dialectica a la forma del cine“, “Métodos de montaje” y “La estructura del filme“, todos de La forma del cine de la editorial Siglo Veintiuno Editores.

Para terminar, aquí y aquí pueden ver dibujos realizados por el cineasta.

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